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Le festival Werkleitz célèbre le 500e anniversaire de la guerre des paysans allemands

Makery a co-produit ce printemps le numéro 6 du journal occasionnel La Planète Laboratoire. Ce numéro imagine un futur paysan et néo-paysan, inventé par des paysans planétaires, organisés en territoires divers, cultivant des biotopes plus hétérogènes, plus démocratiques, et donc plus habitables. La section centrale est consacrée à la récente initiative Soil Assembly, et développe quelques-unes des expériences, réflexions et enquêtes recueillies au sein de ce réseau émergent. Ce texte est une version retravaillée et étendue du concept initial de l’exposition Planetary Peasants du festival Werkleitz 2025, un projet mené par Daniel Herrmann, directeur artistique de Werkleitz, et Alexander Klose au Kunstmuseum Moritzburg, à Halle.

Thomas Müntzer, le Prophète des Paysans, 1525. Photo: WIkimedia Commons

Le printemps 2025 marque le 500e anniversaire de la Guerre des Paysans allemands. Selon l’historiographie marxiste, il s’agit de la première révolution sur le sol allemand, de « l’apogée de la première révolution bourgeoise, [et] de l’une des plus grandes batailles de classe de l’ère du féodalisme »[1]. Par conséquent, cet événement a joué un rôle important dans la mémoire politique de la République démocratique allemande (RDA). Le billet de 5 marks de l’Allemagne de l’Est présente un portrait posthume de Thomas Müntzer (1489-1525)[2], prédicateur réformateur et militant aux antipodes de Martin Luther, dont les sermons, les écrits et les actes sont étroitement liés à la Guerre des Paysans.

D’autres types de révolutions ont cependant remodelé le monde depuis lors, à savoir les révolutions socio-technologiques. Dans les régions industrialisées, la paysannerie et les travailleurs agricoles ont considérablement perdu de leur importance, tant en termes de nombre de personnes impliquées qu’en termes de représentation politique. Depuis Marx et Engels, les spécialistes ont prédit la mort de la paysannerie. La distinction catégorique entre la ville et la campagne, chaque sphère ayant traditionnellement ses propres droits et modes d’existence, a été dévorée par la dynamique de l’urbanisation planétaire.

Pourtant, les matières premières de l’alimentation sont toujours produites sur des sites agricoles, et l’état actuel de la planète, caractérisé par des crises écologiques multiples, a été fabriqué dans les agglomérations et les infrastructures urbano-industrielles, ainsi que dans les fermes et les champs, par l’accumulation des actions des machines modernes et des êtres humains, des animaux et des plantes[3]. Dans le même temps, les paysans du monde entier, bien qu’opérant dans des conditions très différentes, luttent actuellement pour leurs droits – gagner leur vie, perpétuer leurs traditions, rester sur leurs terres. Le texte suivant tente de rassembler certains de ces liens divers et en partie contradictoires qui définissent cette situation complexe.

Le château Allstedt, lieu où Thomas Müntzer exerçait son ministère au début de la Guerre des Paysans, est aujourd’hui entouré de centrales énergétiques, de vestiges de l’époque des mines et d’éoliennes.

Dans l’auto-mythologisation des débuts de la RDA, la « réforme agraire » de 1945 – c’est-à-dire l’expropriation des grands propriétaires terriens et des collaborateurs (présumés) du régime nazi, la redistribution de leurs terres aux petits agriculteurs, et la collectivisation ultérieure des terres et du travail dans des coopératives de production agricole (LPG : Landwirtschaftliche Produktions Genossenschaft) – a été présentée comme l’achèvement de la Guerre des Paysans : « Par les défaites et les victoires dans la lutte des classes, le chemin des paysans à travers les siècles a conduit au socialisme. La classe opprimée des fermiers féodaux est devenue la classe socialiste des agriculteurs coopératifs sous la direction et aux côtés de la classe ouvrière de la RDA. »[4]

Après la fin de la RDA en 1990, un grand nombre des vastes terres agricoles des LPG ont été achetées par des multinationales de l’agro-industrie et, plus récemment, par des spéculateurs immobiliers, en contournant les lois existantes destinées à empêcher cette situation. Vue d’aujourd’hui, la période de « socialisme réellement existant » dans l’agriculture s’est avérée être une mesure de rationalisation qui a préparé la terre au pillage néolibéral total par le capitalisme réellement existant[5].

Il s’agissait d’une dynamique dialectique quelque peu comparable au rôle historique de la Guerre des Paysans allemands comme précurseur du capitalisme naissant et contre-réforme punitive : à la suite de cette guerre, les paysans, libérés du servage, étaient désormais en possession d’eux-mêmes et de leur force de travail, mais pas beaucoup plus (à l’exception d’une emprise plus étroite sur leurs femmes et leurs enfants en raison de l’extension des droits de propriété) ; dans le même temps, ils étaient privés de leurs droits traditionnels à la propriété commune ainsi que de leurs droits traditionnels aux services communautaires fournis par les propriétaires terriens [6].

Révolutions techniques et scientifiques

Parallèlement aux tournants politiques et socio-économiques, une dynamique révolutionnaire potentiellement plus profonde encore a transformé les choses dans le monde entier, tous bords politiques confondus : le développement de l’agronomie moderne et la mécanisation, l’industrialisation et la « chimisation »[7] de l’agriculture. Le médecin et chercheur en agriculture Albrecht Daniel Thaer (1752 – 1828), considéré comme l’initiateur de la science agronomique, en a été un personnage clé. Il a commencé à travailler pour l’État prussien en 1804, fondant des centres de recherche et d’enseignement agricole au nord et à l’est de Berlin. En 1809, il a publié le premier des quatre volumes de ses Principes Fondamentaux de l’Agriculture Rationnelle (Grundsätze der rationellen Landwirtschaft).

L’économiste, agronome et agriculteur Johann Heinrich von Thünen (1783 – 1850), l’un des premiers élèves de Thaer, a également joué un rôle de premier plan dans l’application des principes de l’administration des affaires à l’agriculture. Plus tard, le centre de la recherche agronomique en Allemagne s’est déplacé vers le sud, dans les terres fertiles de la province prussienne de Saxe (d’où est également originaire Thomas Müntzer et où se concentre le festival Werkleitz 2025 Planetary Peasants. C’est là que Julius Kühn (1825-1910) a travaillé en tant que professeur fondateur de l’institut d’agronomie de l’université Martin Luther de Halle. Ses expériences sur la monoculture, qu’il appelait « seigle éternel », commencées en 1862, se poursuivent encore aujourd’hui.

Au milieu du XIXe siècle, la région située entre Magdebourg au nord, les montagnes du Harz à l’ouest, Merseburg au sud et la rivière Saale à l’est était devenue l’une des principales régions du monde pour la production de sucre raffiné à partir de betteraves sucrières. Le prix du sucre sur le marché mondial était déterminé par les commissions du sucre à Londres et à Magdebourg – une rencontre entre les économies productives coloniales et continentales. Ce qui était l’un des produits coloniaux les plus importants (et un produit de luxe pour la plupart) – le sucre fabriqué à partir de canne à sucre cultivée dans des plantations exploitées par des esclaves dans les régions tropicales – a été transformé en une sorte d’aliment de base. La production dépassant la demande, il a fallu créer de nouvelles demandes pour normaliser une consommation de sucre en constante augmentation. Pendant un certain temps, le sucre a été le principal produit d’exportation du nouvel empire allemand.

La Saxe prussienne a connu une phase d’industrialisation fondée sur l’agriculture. La mise en place des infrastructures nécessaires à la production de sucre, à savoir les moulins, les raffineries et les machines qui y sont utilisées, a attiré une géographie saccharine d’usines pour la production de machines agricoles spécialisées et pour la production de denrées alimentaires (pain, gâteaux, chocolat). Ce succès économique, qui a permis de concurrencer les économies coloniales et de s’affranchir de la dépendance à l’égard de leurs principaux produits, tels que le sucre, le caoutchouc ou le salpêtre, est devenu un trope important dans l’auto-historisation de la « nation tardive » de l’Allemagne. Sans accès significatif aux régions de production coloniales, elle a dû appliquer les principes d’une « colonisation intérieure » : intensification de l’agriculture, production industrialisée et innovation.

Soldat et paysan regardant la nouvelle usine d’ammoniac de Merseburg

Les vulgarisateurs, dont l’auteur de non-fiction et premier propagandiste nazi Karl Aloys Schenzinger, ont répété ce trope à maintes reprises, notamment en ce qui concerne l’évolution historique et l’importance de l’industrie chimique[8]. La création d’une « chimie biologique agricole » et le développement du premier engrais phosphaté artificiel par le chimiste Justus von Liebig (1803-1873) dans les années 1840, qui a enseigné et vécu à Gießen, dans le Land de Hesse-Darmstadt, puis à Munich, ont constitué un pilier de l’industrie chimique naissante de l’Allemagne et d’autres pays. Lorsque la nouvelle usine de synthèse d’ammoniac « Badische Anilin und Soda Fabrik » (BASF) de Merseburg a ouvert ses portes en 1916, elle était la première d’un réseau d’usines de production chimique connu plus tard sous le nom de « triangle chimique », formé par Bitterfeld/Wolfen, Leuna et Buna. Sa production était destinée aux munitions pour la guerre en cours (en remplacement du salpêtre du Chili qui n’était plus accessible en raison du blocus naval britannique), et aux engrais artificiels pour l’intensification de l’agriculture.

De la Gerechtigkeyt à la justice climatique

L’invention et le déploiement à grande échelle des engrais artificiels, associés à la mécanisation et à l’industrialisation du travail, ont été à l’origine des changements de loin les plus profonds qu’ait connus l’agriculture depuis son invention. Suivre les traces de tracteurs et les traces d’engrais artificiels de phosphore, de potasse et d’azote nous conduit dans des régions du monde entier et au-delà des frontières politiques. Les mêmes machines ont été utilisées, les mêmes substances ont été employées, même dans les pays strictement divisés politiquement de part et d’autre du « rideau de fer ».

Les traces de l’industrialisation de l’agriculture conduisent à des champs de productivité maximale, mais aussi à des sols épuisés et érodés et à des zones d’accumulation excessive, comme les zones mortes qui résultent de la sur-nitrification des eaux de ruissellement à proximité des estuaires océaniques, dans le monde entier. L’état actuel de la planète est en grande partie défini par ces migrations, voulues ou non, de substances organiques et inorganiques liées aux activités agricoles : plantes et animaux, mais aussi, et surtout, composés chimiques tels que le CO2 ou les nitrates d’ammonium, et leur accumulation dans les écosystèmes terrestres.

Aujourd’hui, les machines agricoles des anciennes exploitations agricoles LPG du pays de Müntzer sont suivies et contrôlées par GPS, et le rendement des champs locaux est vendu à des bourses internationales telles que le Chicago Board of Trade. La paysannerie, comme la classe ouvrière, semble s’être dissoute dans des milieux. On peut donc se demander ce que notre présent et notre avenir ont en commun avec les causes de la Guerre des Paysans. Dans une perspective planétaire, il apparaît rapidement que les adversités du travail paysan n’ont fait que se déplacer, que ce soit vers l’exploitation des travailleurs saisonniers, très souvent des travailleurs migrants sans passeport ni droits légaux, nécessaires dans de nombreux processus agricoles malgré toutes les mécanisations et les automatisations, ou vers les régions du monde où les mauvaises récoltes et les événements météorologiques extrêmes continuent de représenter une menace existentielle.

En outre, la fin du servage dans les pays européens s’est accompagnée de l’asservissement et de la migration forcée de millions de personnes pour travailler dans les plantations des colonies américaines et asiatiques. Leurs insurrections et leurs luttes anticoloniales présentent de nombreux aspects des guerres paysannes européennes, tant dans leur contenu que dans leurs résultats. Le « Plantationocène » résiste aux conditions postcoloniales[9]. La question de la justice aujourd’hui doit être envisagée non seulement au niveau des classes ou des strates d’une société, mais aussi entre les populations des pays riches et des pays pauvres. Le concept de justice climatique, tel qu’il est discuté et revendiqué aujourd’hui, met l’accent sur les bénéfices que les individus tirent de l’industrialisation, au sein des sociétés et entre elles, et sur le prix qu’ils paient pour cela : pollution, dévastation ou perte d’habitats en raison du changement climatique.

Nourrir le monde à venir d’une manière plus équitable exige encore une action révolutionnaire, du moins c’est ce qu’il semble. Étant donné l’expansion des conditions capitalistes dans le développement du système mondial au cours des 500 dernières années, mais surtout au cours des dernières décennies, de nombreux penseurs et militants écologistes du monde entier interprètent la règle de la propriété et du capital comme étant au cœur de tous les problèmes environnementaux. La question des terres agricoles pour une population mondiale en constante augmentation est toujours décisive pour les conflits territoriaux et la géopolitique, et le sera de plus en plus dans un avenir marqué par les changements climatiques. L’expansion des plantations réduit les forêts tropicales et déplace les communautés humaines.

D’autre part, la croissance des établissements humains, des industries et des infrastructures détruit les terres agricoles dans le monde entier. Ces circonstances, ainsi que l’expansion des marchés, l’industrialisation continue de l’agriculture et la menace qui pèse sur les zones rurales en raison du changement climatique, ont entraîné une augmentation massive des mouvements migratoires de personnes quittant des sols qui ne les nourrissent plus. Afin de mettre fin à la dynamique destructrice de cette ère de « réalisme capitaliste » et d’ouvrir des perspectives pour des sociétés futures durables, post-capitalistes et post-profit, comme le préconise le néo-marxiste japonais Kohei Saito[10], nous devons à nouveau nous tourner vers la sphère agraire et ses modes de (re)production comme principale source d’inspiration, d’énergie et de dynamique révolutionnaire.

par Alexander Klose, septembre 2024

Notes:
(1) Manfred Bachmann, « Zum Geleit », in : Staatliche Kunstsammlungen Dresden (ed.), Der Bauer und seine Befreiung. Ausstellung aus Anlaß des 450. Jahrestages des deutschen Bauernkrieges und des 30. Jahrestages der Bodenreform [Le paysan et sa libération. Exposition à l’occasion du 450e anniversaire de la guerre des paysans allemands et du 30e anniversaire de la réforme agraire], Dresde 1975, p.7 ; traduction par les auteurs.
(2) L’idée était de montrer une ligne ascendante d’individus importants dans une histoire révolutionnaire, commençant par Müntzer sur le billet de 5 Mark et culminant avec Lénine sur le billet de 500 Mark.
(3) Pour une analyse de l’agriculture en tant que force initiale qui a conduit à la condition anthropocène d’aujourd’hui, voir : David R. Montgomery, Dirt : The Erosion of Civilizations, Oakland 2012.
(4) D’après le concept du Comité du Conseil des ministres de la RDA pour l’exposition de 1975 sur la guerre des paysans allemands et la réforme agraire à Dresde, cité d’après Bachmann, ibid ; traduction par l’auteur.
(5) voir Ramona Bunkus et Insa Theesfeld, « Land Grabbing in Europe ? Socio-Cultural Externalities of Large-Scale Land Acquisitions in East Germany », in : Land 2018, 7, 98.
(6) Silvia Federici, Caliban et la sorcière. Women, the Body, and Primitive Accumulation, Brooklyn/New York 2004 ; Eva von Redecker, Revolution für das Leben. Philosophie der neuen Protestformen, Francfort/Main 2023.
(7) Chemisierung est le néologisme allemand utilisé pour décrire l’application de substances produites chimiquement pour améliorer la productivité et la fiabilité de la production agricole.
(8) Ses livres Anilin (1936) et Bei IG Farben (1951), sur l’avènement de l’industrie chimique allemande, se sont vendus à un million d’exemplaires pendant la guerre froide et dans l’Allemagne de l’Ouest d’après-guerre.
(9) voir Maan Barua, « Plantationocene : A Vegetal Geography », in : Annals of the American Association of Geographers, 0(0) 2022, pp. 1-17.
(10) Voir Kohei Saito, Marx in the Anthropocene. Towards the Idea of Degrowth Communism, Cambridge, New York, Melbourne 2022.

L’exposition (In)surrection est au cœur de la 22e édition du festival Scopitone organisé par Stereolux à Nantes.

Ce rendez-vous des arts numériques et des musiques électroniques, qui se déroulera du 18 au 22 septembre 2024, sera ponctué de conférences, d’installations in situ (Flux, l’architecture cinétique et lumineuse du Collectif Scale), de spectacles (La Fin du Présent de la compagnie InVivo en première mondiale) et rythmé par deux nuits électro (feat. Christian Löffler, King Kami, Venetta, Dylan Dylan, Saliah, Canblaster, Paul Cut…).

Mise en place par Mathieu Vabre et Anne-Laure Belloc, l’exposition (In)surrection reflète et dénonce notre « monde en tension ». Son titre joue sur le terme « surrection », une notion géologique décrivant un processus tectonique dans lequel des blocs de la croûte terrestre se soulèvent, et qui symbolise donc ici le soulèvement du Vivant contre l’Anthropocène. Cette exposition est articulée en trois chapitres qui explorent les facettes poétiques, écologiques et politiques de ce soulèvement.

Mihai Grecu, Série Desert Spirits. Photo: D.R.

Le premier volet s’intitule Quand les corps se soulèvent : Certains phénomènes, qu’ils suivent une logique immuable ou qu’ils défient les lois de la physique, élèvent les objets et les êtres vivants. Cette lévitation incarne l’évasion en même temps qu’un ordre naturel (Lingjie Wang et Jingfang Hao, Falling and Revolving). Qu’elle soit le fruit d’une technologie avancée (Mihai Grecu, Série Desert Spirits) ou d’une odyssée dans l’immensité de l’Univers (Marie Lienhard, Logics Of Gold / Aki Ito, Félicie d’Estienne d’Orves, Jean-Philippe Lambert – Astérismes / Guillaume Marmin, Oh Lord), elle éveille notre curiosité et permet de prendre du recul sur notre existence.

June Balthazard & Pierre Pauze, Mass. Photo: D.R.

La deuxième partie, Quand la Nature se soulève, évoque les conséquences écologiques provoquées par l’Humanité, et nous remémorent notre fragilité face aux forces de la Nature. Si les promesses techno-solutionnistes et les fables d’un monde fantasmé n’y font rien (Marie-Julie Bourgeois, Homogenitus / Maxime Berthou, Paparuda), les artistes se sont emparé·es des technologies pour éveiller les consciences de façon poétique. Tantôt en soulignant le caractère immémorial du Vivant (Clément Edouard et Pierre Warnecke, Flux), tantôt en évoquant les conséquences de l’intervention humaine sur le cycle de la Nature (Vivien Roubaud, Salsifis Douteux). Et de ce chaos, surgit parfois une beauté sauvage, une force brute, quasi mystique qui rappelle la vitalité et la résilience du Vivant (June Balthazard et Pierre Pauze, Mass).

Jean-Benoit Lallemant & Richard Louvet, DDoS, Distributed Denial of Service attack, Place de la Bastille. Photo: D.R.

Plus politique, la troisième section de cette exposition, Quand les peuples se soulèvent montre comment, face au soulèvement, les pouvoirs en place déploient un arsenal technologique pour maintenir leur emprise. Désormais, les outils numériques sont au cœur des systèmes de surveillance et du contrôle des masses (Clemens Von Wedemeyer, Crowd Control). Mais les artistes se sont réapproprié·es ces armes : le hacking sert autant à dénoncer les violences policières (Thierry Fournier, La Main invisible) qu’à détourner des barricades en place (Jean-Benoit Lallemant & Richard Louvet, DDoS, Distributed Denial of Service attack, Place de la Bastille) et font également retentir la voix des peuples opprimés — celles des victimes de systèmes corrompus (Paolo Almario, Marmelade) ou celles d’opposante·s disparu·es (Stéphanie Roland, Missing People – Inventio fortunate).

Laurent Diouf

> exposition (In)surrection, entrée gratuite
> du 18 au 22 septembre, Nantes
> Halles 1 & 2, Galerie Open School Beaux-Arts Nantes Saint-Nazaire, Allée Frida Kahlo Galerie Mélanie Rio Fluency, Galerie de l’Ordre des architectes
> https://www.stereolux.org/

Les pionniers

Trois jours. Pas plus… Un court laps de temps pour découvrir l’exposition Camer Crypto-Art, les pionniers, qui s’est tenue au Théâtre de la Ville de Paris dans le cadre de Focus Cameroun 3. Danse, théâtre, musique, mode, photographie et crypto-art… Cet événement organisé par l’Ambassade de France et l’Institut Français du Cameroun a pour but de faire connaître la créativité artistique de ce pays de l’Afrique centrale.

Yvon Ngassam, Imany & Alioune, World’s most influential people (2030-2040). Photo : D.R.

En fait, plus qu’une expo, Camer Crypto-Art est avant tout la restitution d’une « crypto résidence » baptisée Correspondances. Portée par Ox4rt, structure de conseil, curation, expositions et accompagnement en Cryptoart, NFT et Métavers, cette initiative est placée sous la responsabilité d’Albertine Meunier, Benoît Couty et Thuy-Tien Vo.

L’objectif de la résidence était donc d’accompagner des artistes plasticiens camerounais vers l’art numérique et le crypto-art. Ils sont une vingtaine à avoir ainsi basculé dans le métavers et, pour certains, à avoir métamorphosé leur démarche artistique en dialoguant avec une intelligence artificielle.

Boudjeka Kamto. Triplets trying to reconnect world and people… Photo : D.R.

Le profil de ces artistes est très ancré sur les arts visuels : ils sont graphistes, peintres, réalisateurs, illustrateurs, etc. Tous ont déjà un style affirmé et un parcours remarqué, mais à la suite de cette résidence, leur travail a pris un autre relief et une esthétique nouvelle. De plus, en « enchaînant » chacune de leur création à un NFT, cela leur permet en toute autonomie d’exposer, de vendre ou d’échanger leurs œuvres numériques ainsi certifiées et rendues uniques.

Celles-ci étaient exposées sur les paliers du hall du Théâtre de la Ville qui donne sur la place du Châtelet. Les formes et couleurs qui brillaient sur les écrans sont sorties de l’imagination d’Alain Ngann, Alexandre Obam, Alt cohold, Beti Ophélie, Éric Takukam, Fotale, Marcelin Abu, Nyamah Musongo…

Annoora (Abbo Nafissatou). Voices of the forgotten. Résilience. Photo : D.R.

On « flashe » littéralement sur les silhouettes féminines d’inspiration himba, bété et massaï d’AJNart ainsi que sur les photos modifiées, augmentées, d’Annoora (Abbo Nafissatou) ; en particulier sa série Resilience sur la violence faite aux femmes. C’est également ce thème de la résilience qui a inspiré Nart M’Mounir (alias Mohamed Mounir Ngoupayou) pour ses photo-montages qui expriment la brutalité du monde.

Le qualificatif d’afrofuturiste s’impose pour quasiment toutes les œuvres présentées. Outre l’aspect à la fois traditionnel (afro) et high-tech (futur), il se dégage de ces représentations numériques un parfum dystopique et un sentiment dysphorique propre à notre époque.

Sam Franklin Waguia, Mythical Legend. Photo : D.R.

C’est particulièrement flagrant sur les superbes et inquiétants portraits réalisés par Sam Waguia. De même que les masques, statuettes et personnages 3D de Boudjeka Kamto, pourtant très « roots », mais qui semblent venir d’un ailleurs sombre et post-électronique…

Même impression avec Lejobist (aka Wilson Job Pa’aka) qui explore la notion d’avenir ancestral au travers de l’univers de la mode, là aussi avec de saisissants portraits de femmes qui ont l’air échappées d’un univers à la Mad Max… Verlaine Mba affirme également son identité africaine grâce à la mode, avec des mannequins au visage dissimulé par des masques et des tissus aux couleurs vibrantes.

Lejobist (Wilson Job Pa’aka), Nayaah, African futuristic fashion. Photo : D.R.

À l’opposé, Boris Nzebo a choisi de représenter des créatures non-humaines : un génie, un djoudjou qui cherche à réaliser ses rêves et un animal social dont la « chorégraphie » est une réponse aux transformations exigées par le récit urbain… Mais c’est le visage d’un Afrotopien, un homme avec des dreads et une coiffe circulaire fabriquées à partir de fragments de verre, que l’on voit sur l’affiche de l’expo. Elle est signée Yvon Ngassam, lauréat 2024 du Prix Non Fongible 237 décerné à un artiste numérique camerounais.

Yvon Ngassam, Kwami & Inaya, World’s most influential people (2030-2040). Photo : D.R.

Il s’est distingué avec une série « psychédélique » de 12 déesses au pouvoir hypnotique. Mais c’est encore une autre collection de portraits réalisés par cet artiste qui nous a fascinés. Des portraits du futur bien sûr. Celles de personnes les plus influentes au monde entre 2030 et 2040… Toute une galerie de personnages qui posent par deux avec une plastique mi-humaine, mi-statuaire, dans des tons noir et rouge-orangé. Des artistes, des icônes, des pionniers, des leaders, des innovateurs et des titans

Laurent Diouf

Verlaine Mba, Soul Davis, My African Culture. Photo : D.R.

PS: on peut retrouver tous ces crypto-artistes au travers de l’exposition collective Crypto Art / Crypto Bloom jusqu’au 22 juillet, à l’Institut Français du Cameroun à Douala et Yaoundé

exposition-performance

Conçue comme une série de plongées immersives et spectaculaires dans le monde onirique des machines, l’exposition-performance Artificial Dreams dresse un panorama de la création artistique assistée par l’IA et les algorithmes, à ce moment décisif qui représente à la fois l’émergence symbolique de l’IA, mais aussi son expansion accélérée. Cette plongée grand format dans le monde poétique des algorithmes génératifs et de la création numérique assistée par l’IA est organisée sous le commissariat de Charles Carcopino.

Parmi les 12 artistes qui propose des œuvres dans le cadre de cet événement, figure notamment Markos Kay dont pratique de l’art et du design s’étend des médias sur écran à l’impression… Son travail peut être décrit comme une exploration continue de l’abstraction numérique à travers l’expérimentation de méthodes génératives. Ses expériences explorent souvent la complexité des mondes invisibles et mystérieux de la biologie moléculaire et de la physique des particules. Un thème majeur de son travail est le paradigme informatique des sciences naturelles, tel qu’il apparaît dans la relation entre l’observation scientifique, la simulation et la visualisation. En 2014, Kay a lancé un laboratoire d’art expérimental dans le but d’explorer les intersections du numérique et de la physique en combinant des simulations informatiques et des techniques procédurales avec la peinture, les textiles, la céramique et la sculpture.

Utilisant une combinaison de technologie numérique et d’aquarelles, le travail d’Andy Thomas est une représentation symbolique de la collision de la nature avec la technologie, fusionnant des images de flore et de faune dans des formes abstraites évoluées. Des compositions complexes de plantes et d’animaux témoignent clairement de l’impact de la technologie sur la planète Terre et de la manière dont les progrès de la société affectent les systèmes naturels de vie. Ces dernières années, Thomas a commencé à expérimenter des logiciels audio-numériques, ouvrant ainsi une nouvelle branche de sa pratique. Cette nouvelle série d’installations vidéo animées représente visuellement les voix de la nature et crée un environnement étrange de son et de lumière.

Les œuvres de Ryoichi Kurokawa prennent de multiples formes telles que des installations, des enregistrements et des pièces de concert. Il compose à partir d’enregistrements de terrain et de structures générées numériquement, puis en reconstruit architecturalement le phénomène audiovisuel. En 2010, il a reçu le Golden Nica du Prix Ars Electronica dans la catégorie Musiques Numériques & Art Sonore.

Enseignant à l’Université Keio SFC, Daito Manabe a fondé à Tokyo Rhizomatiks en 2006, une organisation spécialisée en art digital. Ses œuvres se basent sur une observation des matériaux et des phénomènes quotidiens pour découvrir et élucider les potentialités essentielles inhérentes au corps humain, aux données, à la programmation, aux ordinateurs et à d’autres phénomènes, sondant ainsi les interrelations et les frontières délimitant l’analogique et le numérique, le réel et le virtuel.

Le tandem artistique MSHR (Brenna Murphy & Birch Cooper), est à l’origine de performances et d’installations audiovisuelles qui impliquent des systèmes électroniques génératifs et interactifs intégrés dans des réseaux sculpturaux immersifs et l’utilisation de circuits analogiques et des logiciels open source pour sculpter des hyper-objets en résonance mutuelle.

Collectif d’artistes multidisciplinaires, Visual System explore les relations entre espace et temps, nature et science, rêveries et réalité en combinant architecture et lumière. Dans ses dispositifs, Justine Emard associe photographie, vidéo et réalité virtuelle, et expériences de deep-learning. Son travail est au croisement entre les neurosciences, les objets, la vie organique et l’intelligence artificielle.

Artiste canadienne basée à Montréal, Sabrina Ratté crée des écosystèmes qui évoluent au sein d’installations interactives, de séries de vidéos, d’impressions numériques, de sculptures ou de réalité virtuelle. Influencées par la science-fiction, la philosophie et divers textes théoriques, ses œuvres explorent la convergence technologie et de la biologie, l’interaction entre la matérialité et la virtualité, ainsi que l’évolution spéculative de notre environnement.

Artificial Dreams, exposition-performance
> du 16 mai au 08 juin, Grand Palais Immersif, Paris
> les jeudis, vendredis et samedis de 19h30 à 23h00
> https://grandpalais-immersif.fr/

rencontres sonores et visuelles

Articulée autour de nos sens que sont la vue et l’ouïe, l’exposition Dans la nature… chemine entre montagnes, mers et forêts, glaciers et îles, à la découverte d’un environnement de plus en plus fragilisé lorsqu’il n’est pas menacé…
En utilisant différentes technologies, high tech ou bricolées, les artistes nous invitent à une rencontre singulière avec la nature dans ce qu’elle a d’invisible, d’inaudible, de caché et parfois de fantasmé…
Rémy Bender nous propose de découvrir le site du Grand Cor (2584 m d’altitude) en Suisse avec un film produit par une caméra éolienne, et se laisser transporter par le sifflement du vent…
Felix Blume nous immerge dans une pièce qui bourdonne du son des vols de 250 abeilles diffusés par autant de petits haut-parleurs
Stéphanie Roland nous montre des îles dont la cartographie vidéo révèle la date future d’engloutissement.
Sébastien Robert nous donne non pas à voir, mais à entendre les aurores boréales perturbées par les ondes de notre ultra-communication
Pali Meursault & Thomas Tilly nous invitent à écouter le son des glaciers et des témoignages sur les effets du réchauffement climatique sur le milieu de la haute-montagne.
Anne Zimmermann surprend et nous surprend avec les captures vidéos d’animaux qui rôdent la nuit dans la forêt.
Silvi Simon joue les magiciens en fixant sur image l’apparition évanescente de végétaux.

> du 13 avril au 13 juillet, Espace multimédia Gantner, Bourogne / Territoire de Belfort
> https://www.espacemultimediagantner.cg90.net/

science-fiction et nouveaux imaginaires

Dans le contexte de bouleversements auxquels le monde est confronté depuis un demi-siècle, la science-fiction est l’outil de prédilection pour questionner les sociétés actuelles et lire les failles de notre futur immédiat.

Dans les années 2000, les artistes du monde arabe et de ses diasporas s’emparent de la fiction spéculative pour rêver les mondes de demain et dresser un constat sans détours sur l’évolution des sociétés. Par l’anticipation, ils questionnent le présent et le transgressent.

Vidéastes, plasticiens, photographes, performeurs, renouvellent ici les perspectives, redéfinissent les identités et cherchent à offrir des contre-récits émancipateurs : mondialisation, modernité, écologie, migrations, genre ou décolonisation sont quelques-uns de leurs sujets de prédilection…

projections, performances, installations, rencontres, photographies, concerts, ateliers avec Sophia Al-Maria & Fatima Al-Qadiri, Meriem Bennani, Larissa Sansour, Zahrah Al Ghamdi, Souraya Haddad Credoz, Ayham Jabr, Hala Schoukair, Ayman Zedani, Hicham Berrada, Aïcha Snoussi, Sara Sadik, Tarek Lakhrissi, Mounir Ayache, Skyseeef, Gaby Sahhar & Neïla Czermak Ichti

> du 23 avril au 27 octobre, Institut du Monde Arabe, Paris
> https://www.imarabe.org/

Cette exposition a été présentée dans le cadre de la biennale Nemo, mais se poursuit jusqu’au 19 avril au Centre Culturel Canadien à Paris. Conçue par Alain Thibault et Dominique Moulon en association avec Catherine Bédard, En d’infinies variations regroupe des créations et installations interactives qui interrogent la notion de série dans l’art.

Alain Thibault, Apollo 11 Dream

C’est évidemment au XIXe siècle, celui de la révolution industrielle, qu’un tel concept commence à s’incarner dans le champ artistique. La reproduction mécanique puis les technologies du numérique ont décuplé les possibilités de décliner une œuvre en une infinie de variations. Plus récemment, les dispositifs, capteurs, logiciels et algorithmes qui président à un semblant d’intelligence artificielle donnent encore plus de proximité à ces déclinaisons qui se démultiplient désormais au travers de vidéos, animations générées en temps réel, processus itératifs, réalité augmentée, installations interactives…

Chun Hua Catherine, Dong Skin Deep, 2019

La déambulation au sein de cette exposition commence par une confrontation avec les étranges autoportraits de Chun Hua Catherine Dong. Cinq photographies, cadrées au niveau du buste, avec le visage masqué par les imprimés de tissus brodés chinois. Extraits de la série photographique Skin Deep, ces portraits symbolisent la culture de la honte si prégnante dans de nombreux pays asiatiques. Ce sentiment opère comme un véritable outil de contrôle social. On peut aussi « regarder » ces portraits avec un smartphone : une application mobile permet de libérer les messages visuels et animés qui sommeillent à la surface de ces visages privés intentionnellement d’identité.

Nicolas Sassoon, The Prophets (Tanaga 1), 2019

En regard, si l’on ose dire, les sculptures de Nicolas Sassoon mêlent le minéral (pierre volcanique en guise de socle) et le multimédia (écran LCD sur lequel défilent des animations pixellisées évoquant des coulées de lave). Baptisée The Prophets, cette série de sculptures se présente comme une interface poétique entre la technologie informatique et les forces géologiques. L’informatique est également au centre des tentures d’Oli Sorenson. Les motifs de ces tapisseries, qui ne sont pas sans évoquer certains tissus africains et sud-américains, représentent des cartes SIM et des puces électroniques. Logique, en un sens, puisque les métiers à tisser Jacquard furent, au tout début du XIXe siècle, les premières machines programmées et programmables grâce à des cartes perforées.

Nicolas Baier, Vases communicants, 2022

Avec sa boîte noire (Black Box), Nicolas Baier nous donne à « ne pas voir » la réplique complète en impression 3D de l’intérieur d’une tour d’ordinateur. Toutes les pièces et composantes ont été reproduites, mais elles sont cachées à l’intérieur du boîtier qui trône comme un monolithe. Une allégorie qui pointe notre foi aveugle en l’informatique et notre ignorance (du moins, pour la plupart d’entre nous) du fonctionnement interne d’un ordinateur. Leurs radiographies ne nous en apprennent pas plus, malgré le rajout d’acide polylactique. Les traces jaunes de ce polymère qui colonise ces clichés font penser à organisme unicellulaire genre blob (Réplications). Cette « confrontation » entre le technologique et le biologique est sublimée dans une vidéo aux reflets d’or, pleine de transparence, de bruits organiques et industriels, qui combine des vues séquencées du studio de Nicolas Baier envahit de machines et des travellings sur des forêts (Vases Communicants).

George Legrady, Anamorph-Lattice, 2020-2022

Les panneaux de George Legrady sont aussi le résultat d’un enchevêtrement d’images. À la base, ce sont de vieilles photographies noir et blanc. Dupliqués des dizaines de fois, ces clichés sont ensuite disposés dans un espace 3D virtuel, sans que leur agencement laisse deviner ce qu’ils représentent. Ils forment une multitude de traits et l’ensemble à l’apparence d’une plaque de métal brossé (Anamorph-Lattice). Les vidéos de Salomé Chatriot présentent aussi des formes enchevêtrées. Celles-ci sont générées à partir du souffle de l’artiste lors de performances interactives (Breathing Patterns). Autre dispositif interactif : People on the Fly de Christa Sommerer & Laurent Mignonneau. Là, ce sont les spectateurs et non pas les artistes qui mettent en mouvement un essaim de mouches qui englobe leurs silhouettes sur écran : lorsqu’une personne bouge, des centaines de mouches artificielles l’entourent en quelques secondes, mais lorsqu’elle reste immobile, les insectes s’envolent.

Laurent Diouf

En d’infinies variations
> cette exposition s’inscrit dans le cadre de Nemo – Biennale internationale des arts numériques
> commissaires d’exposition : Dominique Moulon & Alain Thibault en collaboration avec Catherine Bédard
> du 7 décembre au 19 avril, Centre Culturel Canadien, Paris
> https://canada-culture.org/event/en-dinfinies-variations-2/

L’art à l’ère digitale

Multitude et singularité : ces deux notions ne s’opposent pas, mais se complètent pour dessiner notre futur immédiat. La multitude c’est bien sûr celle des réseaux et des données, celle aussi de la manière de représenter et d’appréhender le monde au fil des innovations numériques (virtualité, etc.). La Singularité (avec une majuscule) c’est l’étape suivante, celle où la technologie s’émancipe et surpasse son créateur. Vernor Vinge, mathématicien et auteur de science-fiction, en a rappelé la possibilité au début des années 90s. Un point de bascule qui commence actuellement à s’imposer à l’humanité comme questionnement majeur avec les balbutiements de l’Intelligence Artificielle.

Stine Deja & Marie Munk, Synthetic Seduction: Foreigner. Photo: D.R.

Multitude et singularité : pour l’art à l’ère digital c’est une double source d’inspiration. L’exposition collective éponyme nous en offre un aperçu au travers d’une toute petite dizaine d’œuvres visibles à Paris, à la Maison du Danemark, jusqu’au 25 février. L’emblème de cet événement est l’étrange visage d’une créature synthétique s’observant dans un miroir. Cette installation fait partie de la série Synthetic Seduction de Stine Deja et Marie Munk. Une œuvre collaborative qui « déborde » dans le réel et le virtuel, comme sculpture et installation vidéo. L’humanoïde que l’on voit découvrir son visage et surtout les formes arrondies qui s’empilent sur écran trouvent un prolongement sous forme de grosses excroissances de couleur chair (précision : une chair bien rose d’Occidental marbrée de veines bleues…). Disposées sur le sol de l’espace d’exposition, ces sculptures organiques ne sont pas sans évoquer les poufs des années 70s ; une photo montre d’ailleurs les deux artistes vautrés (lovés ?) dans cette création au penchant « régressif ».

Cecilie Waagner Falkenstrøm, An algorithmic gaze II. Photo : D.R.

La chair est également au centre de l’installation générative de Cecilie Waagner Falkenstrøm. An algorithmic gaze II montre une succession d’images fondues et enchaînées d’hommes ou de femmes qui se déploient selon une chorégraphie au ralentie. Mais ici la « couleur chair » offre une palette plus large, comme affranchie des stéréotypes si souvent reconduits par les algorithmes. La superposition de ces corps hybrides, déformés comme s’ils étaient en cire ou échappés d’un tableau de Dali, témoigne des efforts de la machine pour surmonter ce biais algorithmique en rassemblant des milliers de photographies de nus qui soient à la mesure de nos diversités en termes de genre, d’âge et d’ethnicité.

Mogens Jacobsen, No us (1 off). Photo : D.R.

La multiplicité et la mixité sont aussi à l’image des visiteurs grâce à No us (1 off) de Mogens Jacobsen. Située à l’entrée de l’exposition, cette installation générative invite le spectateur à se regarder dans un miroir semi-transparent qui « cache » une caméra couplée à un système de détection faciale. Ce qui ressemble à une platine disque, « reconfigurée » comme interface de projection, permet d’afficher le visage du visiteur puis de le fusionner avec d’autres visages sur un écran avec une résolution correspondant à celle des débuts de la télévision cathodique. Image de soi encore avec 360° Illusion IV de Jeppe Hein. Ce dispositif plus mécanique que numérique, low-tech donc, repose sur un jeu de miroirs rotatifs. Ce qui surprend c’est le mouvement de l’image qui tourne, comme scotchée sur les miroirs, alors que l’on s’attend à ce que notre reflet reste immobile malgré la rotation du dispositif…

Jens Settergen, GhostBlind Loading. Photo : D.R.

L’installation sonore de Jens Settergen, GhostBlind Loading, comporte également des miroirs ainsi que des pierres et des feuilles (mais pas de ciseaux). Ce décor est la mise en scène d’un dispositif nous permettant d’écouter l’invisible, c’est-à-dire les sons et activités électromagnétiques des appareils électroménagers « intelligents » et autres objets connectés qui ont envahi notre quotidien. C’est un autre élément qui est au centre de l’installation vidéo de Jakob Kudsk Steensen : l’eau. Indispensable à la vie, composante majoritaire de notre masse corporelle, mais aussi à l’origine pour certaines personnes de peur irrationnelle : Aquaphobia est une suite de paysages virtuels fantasmagoriques, de couleur verte bleutée, comme échappés de jeux vidéos ou d’un film d’anticipation

Laurent Diouf

> Multitude & Singularité avec Stine Déjà & Marie Munk, Jeppe Hein, Mogens Jacobsen, Jakob Kudsk Steensen, Jens Settergren, Cecilie Waagner Falkenstrøm…
> cette exposition s’inscrit dans le cadre de Nemo – Biennale internationale des arts numériques
> commissaire d’exposition : Dominique Moulon
> du 8 décembre au 25 février, Le Bicolore / Maison du Danemark, Paris
> https://lebicolore.dk/

Le narcissisme culmine actuellement au travers des réseaux sociaux où chacun peut se mettre en scène. On y déploie des « personnalités multiples ». On y offre des fragments de notre vie. Des échantillons de soi, donc, entre réel et virtuel, comme l’illustre les œuvres proposées dans le cadre l’exposition collective présentée au centre d’art contemporain La Traverse à Alfortville jusqu’au 13 janvier.

Longtemps, la représentation de soi s’est matérialisée dans la sculpture (buste), la peinture puis la photographie (portrait). Renaud Auguste-Dormeuil reprend les codes de ce marqueur social en photographiant de grands collectionneurs. Ils posent en pied devant l’objectif, souvent dans leurs appartements que l’on devine somptueux, à la mesure des œuvres qu’ils collectionnent… Il y a aussi quelques figures historiques qui détonnent dans cette galerie de personnages. Ce sont Les Ambitieux, autre série photographique. Renaud Auguste-Dormeuil pratique un découpage, un échantillonnage, sur chaque photo : il enlève une bande verticale qui supprime le visage. Les deux parties du cliché sont recollées. Les collectionneurs et les ambitieux affichent de fait une silhouette plus filiforme et surtout anonyme. Ce type de portrait retouché devient alors paradoxalement une sorte d’anti-représentation de soi !

Bettie Nin, Biodiversité. Photo: D.R.

Avec His Story, une série de « vrais-faux » autoportraits générés par IA, Grégory Chatonsky joue également sur la représentation de soi. En l’occurrence celle de l’artiste et des clichés inhérents à ce statut. Les prises de vues et la tonalité des couleurs tracent les contours d’une vie possible d’un artiste au siècle dernier et reprennent certains clichés de la bohème et de l’esthétique des ruines. À l’opposé, Inès Alpha nous projette dans le futur, avec les portraits vidéo en réalité augmentée de mannequins parés de maquillage 3D, liquide et évolutif, qui les transforment en « femmes-fleurs » fantasmagoriques. Émilie Brout et Maxime Marion optent également pour la vidéo. A Truly Shared Love montre la vie idéalisée, déréalisée, d’un couple. Avec son esthétique très plastique, artificielle, cette vidéo 4K de 28′ « surjoue » les représentations normatives (classe, genre & co) en appliquant à la lettre les codes de l’imagerie commerciale…

Fabien Zocco, Dislessia. Photo: D.R.

Dasha Ilina place le spectateur dans un rapport étrange avec Let Me Fix You. Cela tient en partie au processus puisque c’est une vidéo avec ASMR (Autonomous Sensory Meridian Response, en « bon » français : réponse sensorielle culminante autonome…). Le ressort de ce procédé, par ailleurs très en vogue chez certains YouTubeurs, doit beaucoup au ton, soft, qui fait naître un sentiment de proximité, et au son qui agit un peu comme un « massage »… À l’écran, on voit une jeune femme qui entreprend de réparer un robot, décrivant en susurrant les différentes étapes de son intervention. Elle fixe l’objectif et on pourrait se croire à la place du robot. Le trouble s’installe progressivement, au fil du « diagnostic »… Le robot ne semble pas endommager matériellement, mais en proie à une crise de conscience faute d’avoir pu être pleinement au service de son propriétaire, un homme âgé… Dans un autre genre, Dasha Ilina a aussi conçu une sorte de « doudou » pour millennials. Un oreiller brodé d’un smartphone (Do Humans Dream Of Online Connection?)… Kitsch, mais significatif de l’attachement que l’on éprouve vis-à-vis de nos « machines à communiquer ». Qui plus est, la chose est interactive. En s’appuyant dessus, on peut y entendre une histoire, un mythe ou une légende urbaine autour des smartphones. Et chacun est invité à compléter cette histoire sans fin.

Dans un coin de l’espace d’exposition, on aperçoit deux bras qui sortent d’un mur… L’un armé d’aiguilles. L’autre couvert de tatouages représentant les nationalités les plus présentes en France : Bettie Nin, co-fondatrice et directrice de La Traverse, propose ici un « re-up » de sa sculpture Biodiversité. Autre objet de curiosité qui ne se donne pas au premier regard : La Parole Gelée de Fabien Zocco. Cette sculpture de porcelaine est en fait une empreinte vocale, la trace d’un mot qui n’existe pas : « ptyx », inventé par le poète Stéphane Mallarmé pour les besoins de son Sonnet en X… La voix, les mots et la syntaxe se télescopent sur Dislessia, une installation conçue également par Fabien Zocco. Cette sculpture-écran retranscrit les efforts presque désespérés d’une intelligence artificielle pour apprendre l’italien sur la base de phrases grammaticalement fausses. De cette mécanique absurde émane une forme de poésie, celle que l’on retrouve dans l’éternelle répétition des cycles, à la fois tragique et risible. Le titre de l’œuvre, qui signifie dyslexie en italien, fait également référence aux noms féminins communément attribués aux assistants vocaux (Alexa pour Amazon, Cortana pour Microsoft, Eliza pour le M.I.T., etc.).

Laurent Diouf

> Échantillons de soi, avec Ines Alpha, Renaud Auguste-Dormeuil, Emilie Brout & Maxime Marion, Grégory Chatonsky, Dasha Ilina, Bettie Nin et Fabien Zocco…
> cette exposition s’inscrit dans le cadre de Nemo – Biennale internationale des arts numériques
> commissaire d’exposition : Dominique Moulon
> du 29 novembre au 13 janvier, La Traverse, Alfortville
> https://www.cac-latraverse.com/

De l’art numérique aux jeux vidéo

Ce titre au parfum d’afrofuturisme n’est pas pour nous déplaire. Cette exposition est en quelque sorte la « restitution » d’un périple mené par Isabelle Arvers, artiste et commissaire d’expo, au travers de plusieurs « pays du Sud », à la découverte des modalités d’inscription culturelles et sociales des jeux vidéo sous d’autres lattitudes.

Si l’art numérique comme les jeux vidéos sont encore dominés par l’Europe, les États-Unis et, bien sûr, le Japon, le reste de la planète n’est désormais pas inerte, culturellement, par rapport à ce vaste domaine qui fait désormais « jeu » égal avec le cinéma. L’univers des jeux vidéos s’est enrichit au contact d’autres types de représentations, paysages, récits et cosmogonies. Tout comme notre imaginaire (i.e. celui des occidentaux) s’enrichit et surtout se « décolonise » par la co-construction de récits nés de la rencontre entre tradition orale, savoirs endogènes et univers virtuels des jeux vidéo.

Henri Tauliaut. Water Divinity. Photo : D.R.

Avec l’avènement de référents culturels dont les racines peuvent puiser — de nouveau et à nouveau — dans l’animisme, par exemple, et des univers oniriques et ludiques qui se déloient dans le virtuel, dans le métavers, nous sommes invités à changer de paradigme. La science et la pensée humaine ne sont plus les seules sources de connaissances; il est désormais possible de penser à des connaissances « au-delà de l’humain ». Cela implique que la nature, les animaux pensent et que les non-humains peuvent enseigner des techniques et connaissances, en changeant de perspective, comme le propose l’anthropologue brésilien Eduardo Viveiro de Castro.

Démonstration avec l’installation interactive de Laura Palavecino (High In the Sky And Beneath the Stars), les photos et dessins d’Eulalia De Valdenebro Cajiao, les jeux vidéo de Daniela Fernandez (Laidaxai), Henri Tauliaut (Water Divinity) et Matajuegos (Atuel), l’installation-performance de la chorégraphe, artiste et chercheuse, Aniara Rodado (Coca para comer), l’installation vidéo de Tania Fraga (Epicurus Garden), le film d’Isabelle Arvers + Gaël Manangou créé à partir d’un univers virtuel (Liquid Forest), Les Spectographies (film et installation VR) de Carole Chausset Myriam Mihindou &Annie-Flore Batchiellilys, Daniely Francisque et Florence boyer / cie Artmayage, l’interactive installation du collectif Technorisha (eFa)…

Laurent Diouf

exposition Aux Futurs Ancestraux : de l’art numérique aux jeux vidéo
> du 14 octobre au 20 janvier, Espace Multimédia Gantner, Bourogne
> https://www.espacemultimediagantner.cg90.net

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