Archive d’étiquettes pour : exposition

Némo

Biennale internationale des arts numériques

Némo est de retour en cet automne 2023. Comme les éditions précédentes, la Biennale Internationale des Arts Numériques essaime à Paris et dans toute l’Île-de-France jusqu’au début de l’année prochaine. Plus d’une vingtaine de lieux sont investis pour cette manifestation.

collectif Universal Everything, Maison Autonome. Photo: D.R.

L’inauguration de cette biennale tentaculaire s’est faite au CentQuatre à Paris avec l’exposition Je est un autre ? dont le titre reprend les mots de Rimbaud. Derrière cette assertion, c’est toute une thématique autour des représentations et personnalités multiples que chacun abrite désormais grâce (ou à cause) du numérique.
Copies, doubles, mutants, avatars, identités factices, technologies de l’égo, quêtes de visibilité, (dis)simulations, emprises, deepfakes, chimères, métamorphoses et univers parallèles font désormais partie de notre quotidien.
C’est tous ces « effets miroirs » qui sont mis en scène dans cette exposition au travers de vidéos immersives, d’installations interactives et autres œuvres hybrides conçues par Jean-Luc Cornec (TribuT), Marco Brambilla (Heaven’s Gate), Bill Vorn (Intensive Care Unit), Frederik Heyman (Virtual Embalming), Ian Spriggs (Cœus, Prometheus, Ichor, Tetrad), Donatien Aubert (Veille Infinie), Encor Studio (Alcove LTD)…

Pendant trois mois, d’autres expositions, spectacles, installations, rencontres et performances viendront creuser ce sujet et rythmeront le déroulé de la biennale le temps d’une journée, d’une semaine ou de plusieurs mois. Ainsi jusqu’au 5 janvier à La Capsule, le Centre culturel André Malraux du Bourget, Chen Chu-Yin et Daphné Le Sergent extrapolent autour des DAO (Decentralized Autonomus Organizations) ; en français les Organisations Autonomes Décentralisées. Soit des « communautés internet » formées autour d’un intérêt commun que les deux artistes abordent par le biais de la mémoire artificielle et de l’intelligence collective.

Au Cube de Garges, une exposition collective enterre avec un peu d’avance le monde digital, celui du geste sur nos écrans tactiles, pour nous faire entrevoir le monde de demain, celui des interfaces actionnées par la pensée. Intitulée Cerveau-Machine, cette exposition prévue jusqu’au 16 décembre réunie notamment Memo Akten, Maurice Benayoun, Justine Emard, Neil Harbisson & Pol Lombarte, Mentalista, Adrian Meyer, Julien Prévieux, Marion Roche… Un cycle de projections, deux œuvres de réalité virtuelle réalisées par Mélanie Courtinat et Lena Herzog, un live de Sugar Sugar et une performance audiovisuelle de TS/CN (Panorama) sont également prévus en écho à cette expo.

TS/CN, Panorama. Photo: D.R.

Échantillons de soi est une autre exposition collective autour des « personnalités multiples » qui nous hantent dans le réel comme dans le virtuel et de la pratique d’échantillonnage (son, image). Ou approchant. Les œuvres d’Ines Alpha, Renaud Auguste-Dormeuil, Emilie Brout & Maxime Marion, Grégory Chatonsky, Dasha Ilina, Bettie Nin et Fabien Zocco présentées à La Traverse, Centre d’art contemporain d’Alfortville, brouillent également, pour certaines du moins, la frontière entre sphère privée et monde de l’art.

Au Centre Culturel canadien à Paris, du 7 décembre 2023 au 19 avril 2024, il sera question d’Infinies Variations par le biais des créations de Nicolas Baier, Salomé Chatriot, Chun Hua, Catherine Dong, Georges Legrady, Caroline Monnet, Oli Sorenson, Nicolas Sassoon, Christa Sommerer & Laurent Mignonneau et Timothy Thomasson. C’est le troisième volet d’une trilogie conçue par les commissaires d’exposition Dominique Moulon, Alain Thibault et Catherine Bédard qui explorent, cette fois, la notion de série telle qu’elle se présente dans l’histoire de l’art depuis le XIXe.

Au Bicolore, l’espace culturel et la plateforme digitale de la Maison du Danemark à Paris, sur une thématique voisine (Multitude & Singularité) appliquée aux êtres comme aux technologies, on découvrira des œuvres de Stine Deja & Marie Munk, Jeppe Hein, Mogens Jacobsen, Jakob Kudsk Steensen, Jens Settergren et Cecilie Waagner Falkenstrøm qui reflètent la complexité du monde dans sa version numérique. Aux Gémeaux, Scène nationale de Sceaux, du 8 au 17 décembre, la compagnie Adrien M & Claire B présentera Dernière minute. Une installation doublée d’une expérience immersive qui inclue les spectateurs. Le concept : une minute est étirée sur une demi-heure. La source d’inspiration : le décès d’un père et la naissance d’un fils. Le sujet : l’intervalle, cette fameuse minute, qui précède la vie ou la mort…

Stine Deja & Marie Munk, Synthetic Seduction: Foreigner. Photo: D.R.

Début décembre également, lors de l’Open Factory #7 au CentQuatre, on pourra aussi solliciter Tally, l’apprentie artiste quantique mise au point par Matthieu Poli avec Alexis Toumi et Sven Björn Fi. Cette intelligence artificielle (impossible d’y échapper dans une telle manifestation) utilise les possibilités uniques de l’ordinateur quantique pour composer des œuvres abstraites qu’elle dessine ensuite à l’aide de bras robots. Elle apprend continuellement en intégrant les réactions du public, définissant ainsi une sensibilité artistique propre. Contrairement aux intelligences artificielles génératives classiques qui se contentent de reproduire l’existant, Tally cherche à comprendre en profondeur la structure des œuvres d’art. À voir…

Durant ce trimestre riche en propositions artistiques, on retiendra aussi Lumen Texte, la performance « pour un vidéo projecteur et un plateau vide » du Collectif Impatience au MAIF Social Club à Paris. Chutes, l' »opéra électronique » source d’expérience synesthésique de Franck Vigroux / Cie Autres Cordes à la MAC de Créteil. La nouvelle version d’A-Ronne, le « théâtre d’oreille » conçu par Luciano Berio & Sébastien Roux, proposée par Joris Lacoste au même endroit. Cette pièce sonore explorera les ambiguïtés entre voix et électronique, voix amplifiées ou réverbérées dans l’espace, voix jouées dans le casque ou entendues « à travers » le casque.

On testera Earthscape ou la déambulation philosophique initiée par la Cie Zone Critique, sur un modèle rappelant les dérives situationnistes (en plus sérieux…), qui investira la Scène de Recherche de l’École Nationale Supérieure Paris-Saclay à Gif-sur-Yvette. Sur l’esplanade de La Défense, on retrouvera une autre installation d’Encor Studio, Hemispheric Frontier — un cercle clignotant de néons assez hypnotiques se reflétant sur une surface aqueuse — et la Lune Dichroïque de Jérémie Bellot. Une sorte de grosse boule à facette translucide et colorée. Nourri par la géométrie polyédrique et les arts mathématiques, nous dit-on, ce plasticien et architecte de formation, interroge le rôle de la lumière dans l’espace vécu et dans l’espace perçu à travers des dispositifs audiovisuels immersifs.

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Némo
Biennale internationale des arts numériques
> jusqu’au 7 janvier 2024
> https://www.biennalenemo.fr/

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Mouvement et Lumière #2

Le mouvement et la lumière, comme l’espace et le temps, ont toujours fait bon ménage sur le plan scientifique et artistique. Preuve en est — si besoin était — au travers d’une expo « grand angle » qui met en perspective des œuvres d’art cinétique, géométrique, optique et numérique d’artistes pionniers, pour beaucoup disparus, et de la jeune génération déjà bien affirmée. Les pièces ne sont pas cloisonnées selon leur époque, ni leur courant, mais dialoguent entre elles selon les procédés utilisés et l’esthétique évoquée. Le public est invité à découvrir plus de 80 œuvres jouant avec le mouvement et la lumière — naturelle ou artificielle — au travers d’un parcours thématique en 6 étapes.

On commence avec « Les Équilibres Naturels » où l’on perçoit non seulement l’espace environnant, mais aussi les forces vitales et invisibles de la nature : aux courants d’air qui animent les mobiles de Calder et Shingu, répondent les mises en tensions électromagnétiques de Takis. Plus loin, Pol Bury semble s’inspirer de la lenteur des poussées végétales pour mettre ses « Ponctuations » en mouvement, tandis que Laurent Debraux et Emmanuel Lagarrigue optent pour une approche hypnotique, que ce soit par le mouvement ou le son. Laurent Pernot prend un chemin plus poétique. Andrea Bowers est sur le registre de l’activisme et Carsten Höller est plus cartésien en utilisant, comme tant d’autres avant lui, la suite mathématique de Fibonacci.

Un hommage est également rendu dans le jardin extérieur à Jesús Rafael Soto avec « Pénétrable BBL bleu », sculpture monumentale et participative que le public est invité à traverser, et 5 autres œuvres représentatives de son travail. Cette couleur — le bleu — réagissant à la lumière blanche souligne la transparence, le volume et le mouvement du mobile sphérique de Julio Le Parc (cofondateur du G.R.A.V., Groupe de Recherche d’Art Visuel, auto-dissout en 1968). Minimalistes ou plus excentriques, « Les Lumières de la ville » sont sublimées par Dan Flavin, François Morellet (autre représentant disparu du collectif G.R.A.V.) et Jenny Holzer.

D’autres jeux de lumière, impliquant « Reflets et Éclats », viennent troubler notre perception de la réalité pour mieux la révéler. Les œuvres miroirs de Haegue Yang, Jeppe Hein, Regine Schumann ou Keith Sonnier fracturent notre espace ou le colorent, tandis que l’absence de reflets dans l’œuvre de Raphael Hefti nous déstabilise. […] Tatsuo Miyajima joue avec la synesthésie, qui porte certaines personnes à associer des couleurs aux lettres ou aux nombres. Félicie d’Estienne d’Orves compose avec des données sur les supernovae… […] Certains artistes explorent l’effet de la lumière sur les matériaux. Elias Crespin décompose les couleurs par la mécanique. Carlos Cruz-Diez les superpose grâce aux rayons lumineux qui traversent sa sculpture. Les matières chez Philippe Decrauzat créent des irisations, soit des décompositions de la lumière à leur surface, ou des effets de moirage chez Miguel Chevalier.

Dans la section de l’expo intitulée « L »Œil du Moteur », ce sont nos yeux qui sont les moteurs des effets optiques des œuvres proposés par Grazia Varisco, Nino Calos, Martha Boto, Hugo Demarco, Victor Vasarely, Iván Navarro ou Chul-Hyun Ahn qui nous aspirent dans des profondeurs de miroirs et de néons… Ces « Hypnoses Géométriques » peuvent aussi reposer « simplement » sur le contraste entre le noir et le blanc pour créer des images rémanentes – c’est-à-dire la persistance rétinienne d’une sensation après la disparition de sa cause – qui animent et font vibrer les formes géométriques simples qu’ils utilisent. […] L’apparente simplicité des œuvres cinétiques est trompeuse. Les carrés et les cercles souvent utilisés se multiplient ou se déforment pour nous plonger dans un mouvement comme chez Marina Apollonio ou Francisco Sobrino, une profondeur chez Antonio Asis et Joël Stein […] et se déclinent en couleur, avec Yaacov Agam, Ueli Gantner, Cesar Andrade, Siegfried Kreitner et Luis Tomasello ou en lumière chez Angela Bulloch. …

Mouvement et Lumière #2
> jusqu’au 1er novembre, Fondation Villa Datris, L’Isle-sur-la-Sorgue. Entrée libre.
> https://fondationvilladatris.fr/fondation-villa-datris/exposition/

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anima(ex)musica

bestiaire utopique

À mi-chemin entre robotique low-tech et sculpture sonore, le collectif Tout reste à faire (Mathieu Desailly, Vincent Gadras, David Chalmin) propose un étrange bestiaire. Des insectes géants composés à partir d’éléments de vieux instruments de musique (accordéon, harmonium, clavecin, ukulélé…) qui sont recyclés et réagencés. anima(ex)musica réunit une dizaine de créatures : sauterelle, méloé, scolopendre, cigale, doryphore, cloporte, punaise, scarabée…

Ces créatures mécaniques, qui présentent un aspect steampunk avéré, sont rendues mobiles et animées. Leurs mouvements imitent la discrétion des insectes et se présentent sous forme de micro-déplacements, de vibrations, d’ondulations… Chacune fait l’objet d’une composition musicale dont l’orchestration renvoie aux instruments ayant servi à sa fabrication. Chaque spécimen est doté d’une partition. Leur chant est déclenché par l’intrusion des spectateurs dans son espace et contribue à l’inquiétante étrangeté de la rencontre.

Alors que leur modèle dans la nature sont minuscules, ces reproductions mécaniques surprennent aussi par leurs dimensions. Citant Darwin, le collectif insiste sur ce point : s’il était possible d’imaginer un mâle Chalcosoma avec son armure de bronze poli et ses encornures complexes qui aurait la taille d’un cheval ou simplement celle d’un chien, il deviendrait l’un des animaux les plus impressionnants de la planète.

Cela fait maintenant près de dix ans que ce projet a été initié. Le bestiaire s’est agrandit progressivement. Il est présenté aux Champs Libres à Rennes selon une scénographie qui évoque les alvéoles d’une ruche. Cela permet de présenter trois points de vue différents de l’exposition à savoir : une vision dite souterraine, une vision au sol et une vision aérienne, reproduisant ainsi les trois niveaux possibles des biotopes propres aux insectes. Dernier né, un grillon sera finalisé durant le temps de cet événement, au cours de 3 séances d’atelier. Visible gratuitement jusqu’au 3 septembre, anima(ex)musica sera ensuite présentée à la Cité de la Musique – Philharmonie à Paris jusqu’au début de l’année prochaine.

anima(ex)musica
> du 14 avril au 3 septembre, Les Champs Libres, Rennes
> https://www.toutresteafaire.com/
> https://www.leschampslibres.fr/

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Visualiser le son

Séquence #5 : arts sonores

Visualiser le son est une exposition collective (sons, vidéos, art génératif, installations interactives, projections, rencontres) qui présente différentes approches quant à ces connexions, et cela à travers différentes perspectives : les partitions graphiques de Chiyoko Szlavnics et Clara de Asís ouvrent la porte vers une conception plus ample et visuelle de l’écriture musicale.

Les vidéos de Simon Girard et Julien Haguenauer, ainsi que les données sonifiées et mises en vidéo par le duo britannique Semiconductor, nous montrent comment les images et les sons peuvent être traités et générés d’une même manière. Les images fixes de Sigolène Valax et Sabina Covarrubias proposent des musiques dont la sonorité est perçue en tant que couleur et forme, tandis que l’art génératif de Guillaume Loizillon révèle le champ des possibles de l’univers du web.

Enfin, l’interactivité et la gestuelle sont mis en évidence dans les travaux de Basile Chassaing et la pièce que [Federico Rodriguez-Jiménez] propose : les capteurs de mouvement ou de son permettant au spectateur de voir le sonore en tant que geste ou en tant qu’image en temps réel. Visualiser le son ouvre une réflexion autour des possibles zones de brouillage entre le son et l’image.

En répondant à l’écriture traditionnelle du phénomène sonore, cette exposition enquête sur l’écriture musicale elle-même et pointe vers de nouvelles directions concernant la notation des mondes sonores contemporains. […] Et s’il est question, dans l’exposition Visualiser le son, de données qui génèrent indifféremment des sons ou des images, d’outils technologiques qui réinventent l’écriture musicale, la programmation cinéma qui l’accompagne dresse quant à elle un panorama des relations entre « audio » et « visuel »…

> du 10 mars au 13 août, Le Lavoir Numérique, Gentilly
> https://lavoirnumerique.grandorlyseinebievre.fr/

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Christian Marclay

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son, bruit, musique, image…

Il reste encore quelques jours pour parcourir l’exposition consacrée à Christian Marclay au Centre Pompidou à Paris. Connu pour ses performances en tant que platiniste (en anglais, turntabilist), il est également reconnu pour ses nombreux « détournements » de disques et samplings vidéo.

Parmi les pièces exposées figurent des vinyles lacérés, balafrés avec des pastilles et du scotch, rayés ou collés en morceaux… Des disques « préparés » pour ses performances justement. C’est principalement sur, avec et autour de ce support musical que Christian Marclay déploie sa pratique artistique liée au son, au bruit, à la musique et à l’image…

Dans cette exposition, on découvre de nombreux détournements, collages, montages. À commencer par les patchworks de pochettes de disque qui composent des instruments étirés (Guitar neck) ou des personnages au corps composite, si ce n’est transgenre (la série Body mix). À ces cadavres exquis s’ajoutent aussi d’autres juxtapositions de pochettes présentant le même motif (pin-up des années 50, chefs d’orchestre exaltés, bouches qui forment une étrange rosace)…

Jouant la répétition d’une même pochette, celle de My Fair Lady (Rex Harrison & Julie Andrew) et des disques qu’elles renferment, Christian Marclay a construit deux gigantesques silhouettes qui ressemblent à des marionnettes (Galatea and Pygmalion). Il a aussi créé de fausses pochettes de disques plus vraies que nature (Imaginary Records).

Selon le principe de l’accumulation, Christian Marclay a aussi érigé des disques en une colonne sans fin qui évoque Brancusi (Endless Column). Beaucoup de ses pièces font d’ailleurs référence, de manière implicite ou explicite, à des monstres de l’art contemporain — comme sa guitare molle qui renvoie à Dali (Prosthesis) — mais aussi au mouvement Fluxus et au Punk.

Pour autant, le vinyle n’est pas le seul support que Christian Marclay soumet à son imagination. Il s’est aussi amusé à tisser une sorte de hamac géant symbolisant les mailles du réseau (Net) avec des bandes magnétiques, ainsi qu’une sorte de coussin, The Beatles, qui comme son nom l’indique est « composé » avec l’intégralité des enregistrements du groupe.

Il bricole également une roue de chariot avec des CDs fondus (Wheel) et forme un cercle avec des K7 audio (Untitled : cassette circle). Il réalise également des œuvres « entremêlées » en déroulant et mélangeant, cette fois au figuré, des bandes de cassettes (Memento, Mashup : diptych with two cassettes, Allover).

Au-delà de la musique et de la diversité de ses supports, c’est plus généralement le son et l’image du son que Christian Marclay s’amuse mettre en valeur. En premier lieu les onomatopées significatives de la BD (Blamm, Schhhh, Swooosh, Whomp, Aaaaah, Poom…) qu’il rassemble, découpe et ré-assemble pour composer des suites, des tableaux ou des portraits dignes du Comic Strip de Gainsbourg. Christian Marclay traque également les marques d’objets, étiquettes de boisson, annonces et enseignes de magasins qui font également appel à des onomatopées (Zoom, Zoom).

De l’image statique à l’image animée : Christian Marclay poursuit son travail sur vidéo, toujours selon le principe de répétition, juxtaposition et variation. Son œuvre emblématique, The Clock, qui séquençait des milliers de scènes de film où l’heure est indiquée, formant un « cadran cinématographique » de 24 heures projeté en indiquant le temps réel lors de sa diffusion n’est pas présentée ici.

Mais on peut revoir Téléphones, une vidéo pré-portable qui date de 1995 et compile des extraits de films avec bruits de cadrans, compositions de numéro, sonneries intempestives, allôôôô stressés et raccrochages frénétiques… Autre bijou dans le même style : Doors. Un exercice de sampling vidéo virtuose, inédit et spécialement réalisé pour cette exposition. Un travail de marqueterie qui enchaîne dans une continuité saisissante les ouvertures et fermetures de portes en démultipliant les personnages qui apparaissent à l’écran comme dans un ballet.

Christian Marclay, exposition au Centre Pompidou, jusqu’au 27 février 2023
> https://www.centrepompidou.fr/

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art & science-fiction

Les Portes Du Possible

Art et science-fiction… C’est un sujet que l’on avait prévu d’aborder dans la revue papier de MCD… C’est le thème de l’exposition Les Portes Du Possible qui se déroule jusqu’au 10 avril au Centre Pompidou – Metz. Un événement qui rassemble des artistes plasticiens, des écrivains, des architectes et des cinéastes autour de 180 œuvres. Une exposition qui se prolonge avec des ateliers, lectures, danses, installations, conférences performées, projections…

À l’heure des blockbusters et des séries, cette manifestation replace les livres comme centre de gravité de la science-fiction. Le parcours d’expo est divisé en 5 chapitres qui portent le nom d’un roman emblématique : Le Meilleur des mondes d’Aldous Huxley, Neuromancien du père du cyberpunk William Gibson, Les androïdes rêvent-ils de moutons électriques ? de Philip K. Dick (mieux connu sous le titre Blade Runner), Soleil Vert d’Harry Harrison. Le cinquième volet fait appel à un livre moins connu, La parabole du semeur d’Octavia Butler, qui renvoie au courant de l’afrofuturisme.

Si ces ouvrages ont tous été écrits il y a plusieurs décennies, leurs thématiques restent d’actualité et sont l’occasion d’interroger les problématiques auxquelles nous sommes (toujours ou nouvellement) confrontées, de porter un regard critique sur notre quotidien et notre futur proche. En développant les possibilités du présent, en élaborant des récits à partir d’hypothèses scientifiques ou en concevant des modes de vie et des réalités inouïs, la science-fiction est un genre qui met l’homme face à l’altérité radicale. Elle propose une émancipation des discours politiques dominants, elle incarne la différence, l’utopie politique, le renouvellement profond de notre perception. De ce fait, elle est depuis toujours un terreau propice aux mouvements contestataires.

La fiction spéculative nous irrite, nous fait progresser en nous épouvantant, ébranle les remparts de nos habitudes et ceux de notre conscience. Si elle agit à partir des marges, les thèmes qu’elle aborde sont au cœur des problématiques sociétales actuelles qui nous concernent tous : la fragmentation sociale, l’ultra-capitalisme, les nouvelles formes de panoptisme et de totalitarisme, l’aliénation, le trans-/post-humanisme, la suppression des limites des genres, le colonialisme ou, bien entendu, le désastre écologique et l’obsolescence de l’Homme.

L’exposition, en ne se focalisant pas sur le prisme dystopique dominant, s’appliquera à œuvrer dans le sens d’une revitalisation et d’une réappropriation volontaire du futur. En d’autres termes, ici pas de fusées interstellaires ni d’extraterrestres, mais des ambiances, des situations et des paysages évocateurs d’un à venir incertain ou prometteur au travers de nombreuses vidéos, photos, sculptures, peintures, chorégraphies (The divine cypher d’Ana Pi), conférences (Jean-Michel Frodon, Alain Damasio, Héloïse Brézillon et Norbert Merjagnan), performances (Corps Hybride de Sabrina Calvo et Koji), et d’installations. En particulier Transchrones, une machine hybride conçue par Thomas Teurlai et Alain Damasio qui repose sur le mouvement rotatif de deux cylindres holographiques sonorisés qui génèrent des fictions visuelles et auditives…

Exposition Les Portes Du Possible : art et science-fiction
> jusqu’au 10 avril, Centre Pompidou – Metz
> https://www.centrepompidou-metz.fr/

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Post Growth

Imaginaires pour une société post-croissance

Le « Grand Jeu » de la post-croissance est expliqué par le collectif Disnovation.org au travers d’une exposition jusqu’au 21 janvier à l’Espace Multimédia Gantner. Déjà présenté dans le cadre d’autres manifestations et festivals, Post Growth met en scène la critique du productivisme, les aberrations et les dégâts écologiques, climatiques, énergétiques et sociologiques, causés par le développement inconséquent de la « techno-science ». Sur ce plan, Disnovation s’affirme comme un lointain héritier des universitaires — de Jacques Ellul à Alain Gras, en passant par Jürgen Habermas, Gilbert Simondon ou Bernard Charbonneau — qui ont remis en cause le culte de la technique et pointé les conséquences écologiques de la production et de la consommation effrénées.

Le fruit de cette critique se matérialise par des installations et des interventions ; le collectif préfère le terme d’expérience laboratoire pour désigner notamment des situations et objets qui traduisent physiquement et symboliquement cette problématique de la post-croissance. Les œuvres proposées sont ainsi des éléments de réflexion et de décodage permettant d’appréhender ces questions au-delà du point de vue théorique, de mesurer concrètement l’ampleur de la catastrophe qui vient » (et qui dans certains cas est déjà là…).

Ainsi, le Bestiaire de l’Anthropocène, sorte d’atlas des espèces « hybrides » en 24 planches regroupant plantes, animaux et minéraux chimériques, et pourtant bien existants, corollaires de l’industrialisation sans frein : vaches à hublot, nouveaux virus, champignons radioactifs, matériaux résiduels (fordite), corps composites et autres artefacts inquiétants qui peuplent désormais notre monde. Disnovation.org a aussi développé une sorte de jeu de société avec des cartes « tactiques » (Post Growth Toolkit). Ces fiches permettent d’initier des discussions et débats autour de quelques notions clefs (énergie zombie, court-termisme, extractivisme, effet rebond, soleil ancestral, artificialisation globalisée, informatique effondriste, principe de la 7e génération…).

Dans le même ordre d’esprit, les Energy Slave Tokens concrétisent, sous forme de poids en bitume, le temps de travail humain rapporté à une quantité d’énergie fossible équivalente (1 heure, 1 jour, 1 semaine, 1 mois). Sachant que, pour son fonctionnement et sa vie quotidienne, l’Européen moyen emploie l’équivalent de 400 à 500 « esclaves énergétiques » par jour… Visibilité encore avec The Farm, soit du blé cultivé « indoor » sur un mètre carré. Ce dispositif permet d’exprimer la partie obscure de l’économie, de quantifier les charges et les coûts « invisibles » ou non pris en compte par rapport à l’éco-système où s’insère une production donnée.

Post-Growth : imaginaires pour une société post-croissance, exposition par le Collectif Disnovation.org (Maria Roszkowska, Nicolas Maigret, Baruch Gottlieb, Jérôme Saint-Clair) avec Clémence Seurat, Julien Maudet, Nicolas Nova, Pauline Briand…

> jusqu’au 21 janvier, Espace Multimédia Gantner, Bourogne (Territoire de Belfort)
> https://www.espacemultimediagantner.cg90.net/fr/

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Plus Que Vivant

Art & Recherche Biomédicale

L’exposition Plus Que Vivant qui structurait le festival Open Source Body a été l’occasion de découvrir une dizaine d’installations qui interrogent le vivant par le biais de la santé et de la recherche médicale. Les artistes qui étaient réunis pour cet évènement proposé par Art2M/Makery/MCD et la Cité internationale des arts sont impliqués dans le projet ART4MED (Art meets Health and Biomedical research) co-financé par le programme Europe Créative de l’Union Européenne.

Cette thématique spéculative autour des biotechnologies n’était pas sans évoquer l’âge d’or de la science-fiction. Comment ne pas penser au meilleur des mondes d’Aldous Huxley, où les êtres humains sont conçus à la chaîne en laboratoire, en étant confrontés à UNBORN0x9… Cette installation de Shu Lea Cheang et Ewen Chardronnet, où l’on distingue un nouveau-né dans une sorte de couveuse ovoïde (sur)veillée par un bras robotisé, pose la question du développement des fœtus hors du corps, dans des utérus artificiels, et du devenir cyborg de la parentalité…

Unborn0x9, de Shu Lea Cheang, Ewen Chardronnet et le collectif Future Baby Production. Photo: © Quentin Chevrier

Le corps et ses ressources, parfois insoupçonnées, sont à la fois source d’inspiration, matériaux et données brutes pour ces explorations artistiques qui agissent aussi comme des alertes. Proche du milieu des biohackers, l’artiste-performeuse Maya Minder proposait Green Open Food evolution. Une réflexion autour de la consommation des algues, si prisées au Japon notamment, ainsi qu’une expérience communautaire autour de la nourriture. Un dîner performatif où le design à une importance centrale. Pour reprendre la formule consacrée, nous sommes ce que nous mangeons et l’on peut aussi s’interroger sur l’évolution et les transformations de nos organismes selon nos régimes alimentaires.

Avec Tiny Minning, Martin Howse présentait une sorte d’auto-exploitation des corps pour en extraire des minerais et terres rares… Cette initiative est suivie depuis 2019 par une communauté informelle de chimistes, géologues, artistes et médecins « alternatifs ». Ce projet pour le moins étonnant reste purement fictionnel. Il ne s’agit pas de mettre en œuvre de tels protocoles en direction du grand public, mais de se livrer à une spéculation et d’expérimenter des pistes en résonnance avec la problématique de l’exploration et du pillage des ressources minières.

Helena Nikonole & Lucy Ojomoko travaillent plus en surface, si l’on ose dire… Leur projet Quorum Sensing : skin flora signal system passe par des modifications génétiques de la peau humaine. L’idée est de pouvoir détecter des maladies grâce aux odeurs émises par les bactéries du microbiome cutané qui joueraient ainsi le rôle d’un signal d’alarme. À noter que dans ce processus, les odeurs produites ne sont pas forcément mauvaises, comme dans la vraie vie, mais peuvent revêtir des senteurs florales par exemple… Helena Nikonole & Lucy Ojomoko ont matérialisé et testé ce projet via un dispositif d’odorat biomorphique relié à des récipients en verre par des tubulures souples en plastique. Le public est invité à renifler délicatement les diverses exhalaisons ainsi (re)créées.

Quorum Sensing, de Helena Nikonole and Lucy Ojomoko, lors du vernissage. Photo: © Quentin Chevrier

Avec M/Other : arts of repair, Edna Bonhomme, Nazila Kivi, Jette Hye Jin Mortensen & Luiza Prado ont choisi d’opérer sur les âmes plus que sur les corps. Mis en scène dans une salle abandonnée d’un hôpital psychiatrique (toujours en activité), cette installation collective et multifacettes vise à explorer les possibilités de réinvestir les espaces de guérison institutionnels et met exergue les inégalités en matière de santé et de la violence raciale dans les antécédents médicaux.

M/other: the arts of repair / Jette Hye Jan Mortensen. Photo: © Quentin Chevrier

Enfin, l’approche politique était assurée par Estelle Benazet Heugenhauser & Cindy Coutant aka L4bouche. Leur installation Jupiter Space se présente comme une fresque avec des collages, dessins, photos et fragments de textes signés, par exemple et au hasard, par Ulrike Meinhof… La source de cette installation qui s’érige contre la domination masculiniste et le contrôle des corps est un texte de la chercheuse Zoë Sofia — à laquelle Donna Haraway doit beaucoup — publié dans les années 80 dans la revue Diacritics. Intitulé Exterminer les fœtus : avortement, désarmement, sexo-sémiotique de l’extra-terrestre, ce manifeste a été traduit justement par L4bouche et vient juste de paraître en français aux éditions Excès.

Jupiter Space, de Cindy Coutant & Estelle Benazet (l4bouche). Photo: D.R.

À l’occasion d’une précédente « monstration » de cette installation, à la galerie Les Limbes à Saint-Étienne en 2021, Jacopo Rasmi (maître de conférences en arts visuels et études italiennes à l’Université Jean Monnet) analysait avec précision cette galaxie sidérale et sidérante d’une domination masculiniste qui façonne les imaginaires, les outils et les désirs au détriment autant des corps féminins que des milieux terrestres (lisez Lundi.AM !).

Festival Open Source Body, édition 2022
Exposition Plus Que Vivant : quand l’art rencontre la santé et la recherche médicale
> https://www.opensourcebody.eu/

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Festival Accès)s( #22

Design Des Signes : de l’œuvre à l’usage

Expositions, performances, VR, conférences, lives, projections : la 22ème édition du Festival accès)s( est axé autour du design et à sa capacité à faire signe dans l’Art.

L’invité d’honneur n’est autre que Samuel Bianchini présent avec 8 pièces, anciennes et récentes. Il interroge les rapports entre nos dispositifs technologiques, nos modes de représentation, nos nouvelles formes d’expériences esthétiques et nos organisations sociopolitiques en collaboration avec de nombreux scientifiques et laboratoires internationaux de recherche en sciences de la nature et en ingénierie.

Il y a aussi les fantômes d’artistes pionniers aujourd’hui disparus : Robert Breer (Floats, des sculptures flottantes créées au milieu des années 60 et exposées à l’exposition universelle d’Osaka en 1970) et Nicolas Schöffer (Lumino, une sculpture lumineuse élaborée en 1968 et qui a été commercialisée internationalement).

Parmi les œuvres étonnantes, signalons Haruspices, l’installation pneumatique et évolutive de Jonathan Pêpe. Composé d’une cage thoracique rigide à laquelle s’adjoint quatre organes en silicone, l’engin pulse un rythme d’humeurs déterminées par des flux en temps réel d’informations provenant des réseaux sociaux puis interprétés en quatre « émotions » par l’intelligence artificielle IBM Watson.

Mentionnons aussi Bug Antenna de Raphaëlle Kerbrat qui rend perceptible les ondes électromagnétiques, invisibles à l’œil nu, et inaudibles pour l’être humain, mais omniprésentes dans nos quotidiens. La sculpture-objet en réalité augmentée de Grégory Chatonsky et du designer Goliath Dyèvre, Internes (l’augmentation des choses), est pensée comme le premier mètre carré d’un devenir de l’ensemble la surface terrestre, celle d’un monde gris et post-apocalyptique que la VR colore et rend vivant.

Présentée pour la première fois en France, Value Of Values, de Maurice Benayoun, Tobias Klein, Nicolas Mendoza et Jean Baptistes Barrère, est une chaîne de création qui, de la Brain Factory à la Blockchain, en passant par la poésie transactionnelle, la co-création et les Twodiees, propose à son visiteur de donner lui-même forme à sa pensée à partir de 42 valeurs humaines. (…) En coiffant un casque EEG, chaque visiteur contribue à l’évolution d’une forme produite par ses ondes cérébrales et devient ainsi un Brain Worker au sein d’une Factory — une usine de formes artistiques virtuelles.

On s’attardera également sur trois œuvres VR. Celle de Faye Formisano, They dream in my bones – Insemnopedy II. Une installation- fiction racontant l’histoire de Roderick Norman, chercheur en onirogénétique ; science permettant d’extraire les rêves d’un squelette inconnu… L’installation monumentale de John Sanborn, The Friend VR, qui nous immerge dans une église reconstituée où des personnages célèbrent leur liberté et la création d’une nouvelle utopie. Le projet immersif de Vincent Ciciliato & Christophe Havel, II Canto dei suicidi, inspiré du Canto XIII de la Divine Comédie de Dante.

Une exposition virtuelle et protéiforme, conçue par le collectif PrePostPrint, laboratoire et groupe de recherche autour des systèmes de publication libres alternatifs, sera « accessible » sur > https://xx2.acces-s.org/ Sans oublier une nuit electro avec Nkisi, Sarahsson, Danse Musique Rhône Alpes, V9 pour finir en beauté.

> du 8 octobre au 25 décembre, Pau
> https://www.acces-s.org/

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Panorama 24

De l’autre côté

Rendez-vous annuel du Fresnoy, Studio National des Arts Contemporains, Panorama est placé cette année sous le signe de la frontière invisible, celle qui nous fait passer de l’autre côté du miroir via des installations vidéos et projections.
L’autre côté, c’est aussi l’autre vie de cet ancien lieu de fêtes et de retrouvailles, cinéma, salle de bal, de concert, de combats de boxe et de catch qu’était Le Fresnoy, devenu le vaisseau obscur d’œuvres de lumière… 
L’autre côté, c’est celui auquel l’art donne accès notre monde mais un autre à la fois ; soudain habité, mystérieux, enchanté, révélé… parfois convoqué par des danses et transes, des rituels guérisseurs, mais aussi par le truchement d’une technologie dont la discrétion marque la réussite…
L’autre côté, c’est le monde du rêve jamais très loin d’ici. Celui des astronautes et celui des hommes préhistoriques restitués par les algorithmes. L’autre côté, ce sont ces figures de lumière spectrales qui habitent l’exposition : plus de 50 œuvres inédites, dans les domaines de l’image, du son et de la création numérique, réalisées par les artistes du Fresnoy. L’autre côté, c’est celui auquel nous accédons en pénétrant l’écran de cinéma, celui de la salle de projection au cœur de l’exposition où 29 films inédits seront projetés.
Avec Judith Auffray, Younes Ben Slimane, Anna Biriulina, Lucien Bitaux, Julia  Borderie & Eloïse Le Gallo, Ghyzlene Boukaïla, Alice Brygo, Lea Collet, Anaïs-Tohe Commaret, Jerome Cortie, Rolando Cruz Marquez, Bianca Dacosta, Charline Dally, Edith Dekyndt, Guillaume Delsert, Sarah-Anaïs Desbenoit, Ana Edwards, Justine Emard, Julian García Long, Yann Gonzalez & Alain Garcia Vergara, Che-Yu Hsu, Adam Kaplan, Elina Kastler, Lina Laraki, Lou Le Forban, Pierre-Lefrançois Vérove, Ange Lempaszak, Quentin L’helgoualc’h, Ethel Lilienfeld, Marin Martinie, Gohar Martirosyan, Antoine Mayet, Joachim Michaux, Magalie Mobetie, Fredj Moussa, Marcel Mrejen, Norman Nedellec, Toshihiro Nobori, Daniel Penaranda Restrepo, Hugo Pétigny, Charlotte Pouyaud, Julie Ramage, Chuxun Ran, Sabrina Ratté, Ben Rivers, Julia Tarissan, Guillaume Thomas, Kris Verdonck, Victor Villafagne, Agata Wieczorek, Jisoo Yoo, Yunyi Zhu…

> du 30 septembre au 31 décembre, Le Fresnois, Tourcoing
> https://www.lefresnoy.net/

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